Delphine Reist & Laurent Faulon (CH - FR)
Schweres Wasser
25. Juni - 10. Juli 2010
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Fred Fischer (CH)
Les trous noirs n'ont pas de cheveux
29. Mai - 12. Juni 2010
© Fred Fischer, Les trous noirs n'ont pas de cheveux, 2010
Weitere Infos auf:
fischer-man.com
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Henrike Daum & Frederik Foert (DE)
Double Indemnity
9. - 23. Mai 2010
© Henrike Daum,through trees, 2010
© Henrike Daum, Ausstellungsansicht, 2010
© Henrike Daum, mineral processing (Detail), 2010
© Henrike Daum, Ausstellungsansicht, 2010
© Henrike Daum, Externsteine, 2010
Weitere Infos auf :
www.henrikedaum.de
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© Frederik Foert, Double Happiness II, 2010
Zum Video
Weitere Infos auf :
www.frederik-foert.de
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Claudia Comte & Mélodie Mousset (CH - FR)
You cut but you can't
30. August - 22. September 2009
© Claudia Comte & Mélodie Mousset, 2009
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Isabel Schmiga (DE)
Along the margins
30. Mai - 27. Juni 2009
© Isabel Schmiga, 2009
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Jérémie Gindre (CH)
Tomahawk
4. - 18. April 2009
© Jérémie Gindre, Les outils cardinaux, Sperrholz, 2009
© Jérémie Gindre, The Cometomens, Steine, Blei, Schnur, Band & Bleistift, 2009
© Jérémie Gindre, The Restarea, Schiffmehl auf Gibs, 2009
© Jérémie Gindre, Tomahawk, 2009
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Simon Deppierraz (CH)
Up down
28. Februar - 14. März
© Simon Deppierraz, Up down, 2009, Holz, Spanngurt, Karabinerhaken, 395x439 cm, 20qm, Berlin
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Victoria Lucas (UK)
Lucy Powell (UK)
Trace (Friday 13th)*
14. - 20. Februar 2009
*kuratiert bei Leo
© Victoria Lucas, Stills, 2008
Stills 2008/2009
Video Installation
'Photographs were often called 'stills' in the late 18th century, in part because photographers were prone to shout 'Still' to alert their subjects that the shutter was about to be opened and that they were to hold their pose without moving.'
- Jonathan Friday, Stillness Becoming: Reflections on Bazin, Barthes and Photographic Stillness
Reminiscent of life and present on digital film, the inanimate taxidermy specimens imitate a series of photographs; petrified as if captured in one singular moment through the lifelike pose and appearance long after death. These portraits re-present a duration of time; their deceptive gaze seemingly watching time pass as the reflection of their spectators moves across the glass surface of their eyes.
Exploring the relationship between photography, film, and temporality, Stills presents the reality of the medium in which it is created. The moving image significantly conveys the temporal aspects of actuality, in relation to its existence as a subject affected and controlled by the forces of time. Here time is still present, but the most important characteristic of life, movement, has been extracted.
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© Lucy Powell, Liminal Animal, 2008. 36 cats whiskers, velvet, shellac frame
© Lucy Powell, In the labyrinth the lab mice dream they are still navigating, 2009. 32 modelled ceramic teeth, life size
I am showing two new works and suffice it to say that they will take you into the labyrinth the lab mice dream they are still navigating. It being Friday 13th and all, I think this is an appropriate choice. Grit your teeth, tip-toe through.
L. P.
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Geerten Verheus (NL)
Two Suspensions*
24. Januar - 7. Februar 2009
*kuratiert bei Leo
© Geerten Verheus, Pit, The, 2009
© Geerten Verheus, Height, 2009
Two Suspensions
For the exhibition at zwanzigquadratmeter I chose two suspended works: Height and Pit, The.
They are suspended both in space and in time - they both hang from a ceiling and both have been waiting for an appropriate occasion to be exhibited.
Height is a variation on the 2006 kinetic sculpture Lengths (By and Large). A rubber length, measuring the exact height of the space, draws a thick black curved line from the ceiling to the floor. In its effort to become the centre axis of the room by straightening itself up, it is helped and at the same time handicapped by its support system, which consists of an electric motor and supporting belts.
On Lengths (By and Large), Tom Morton wrote in Frieze Magazine:
'Sex,' claimed Andy Warhol, 'is the biggest nothing of all time.' Looking at Geerten Verheus' Lengths (By and Large), (2006) – a kinetic sculpture that formed the centrepiece of the group show 'Flutter', curated by the painter Michael Raedecker – it's hard not to hear the Pop artist's words whispering in your ear. A motor hummed on the gallery ceiling, winding up a long brass chain from which were suspended several dark lengths of beechwood. As the mechanism turned, the sculpture tensed, and you got to thinking about arched backs, curled toes and gristly erectile tissue. Finally, unable to take any more, Verheus' piece shuddered in grateful release and momentarily slackened, only for the whole Sisyphean process to begin once more. Call it a wheel of desire. Call it an automaton suffering from some pornographic strain of Obsessive-Compulsive Disorder. Call it what you like, frankly, because it's too busy to listen, caught up as it is with chasing the big 'O', the big zero, the big, Warholian nothing.
Pit, The is installed likewise, hanging from the ceiling in the center of the room.
This work is in fact the second life of the remains of the first version of The Midnight Sun (2005), irreparably damaged from heat in 2006. Re-constructed, The Midnight Sun is a disco mirror ball, made entirely out of rubber, and installed from the ceiling in typical fashion.
Pit, The, motionless and silent, recalls a club inferno, imploded, exploded and inverted. It shows the afterlife of an artwork.
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Nicolas Guiot (F)
Skulptur. 61208
6. - 20. Dezember 2008
mit
Guillaume Alimoussa (F)
© Nicolas Guiot, Encombrant.10, Say HI!, 2008
© Guillaume Alimoussa, Sans titre, 2008
ENCOMBRANTS
Ein einfaches aber effektives Prinzip : Die Befreiung von den Zwängen des Raumes ermöglicht einen Austausch losgelöst von Regeln und Zwängen, durch den ungeahnte Möglichkeiten aufgezeigt werden. Wie gelingt es jedoch in den Austellungsräume dieses neue, ungewohnte Modell umzusetzen, in welchem die Räume durch das Prinzip der Umkehrung eine völlig neue Bedeutung gewinnen?
Nicolas Guiot löst diese Problematik durch Anhäufung, überfüllung und übertretung der Fläche. Er beugt sich weder Regeln, die den Dialog mit der Aussenwelt und die persönlichen Vorstellungskraft einengen könnten, noch jedweder Platzzuweisung. Der Raum ist für ihn keine rigide, sich um ein Epizentrum drehende, geschlossene Einheit, oder eine unbegrenzte Fläche ohne Orientierungspunkte, sondern vielmehr ein essentielles Element, das es als eigene Größe in die künstlerische Arbeit zu integrieren gilt. Der Raum erscheint nicht als passive Einheit, sondern als die eigentliche Materie der Experimente von Einschränkung und Erweiterung.Es handelt sich um eine Art Spiel mit der Ausdehnung des Rahmens sowie des Inhaltes, hervorgerufen durch Anhäufung und überfüllung von Materie.
Durch die gewollte Nichtanpassung an die Grenzen des Raumes, überfüllen seine Werke diesen einerseits, und grenzen sich andererseits von ihm ab. Trotzdem ist diese Anhäufung nie einfache Ausfüllung und die überschreitung der Raumgrenzen nie unverhältnismässig - darin zeigt sich die Stärke von Nicolas Guiots Intervention.
Die drei Strukturen aus Holz und Platten sind keine disproportionnierten, monströsen Schöpfungen, sondern das Ergebnis einer soliden Reflektion des Künstlers, der durch den Einschnitt den Dialog mit dem Raum eröffnet. Das räumliche Umfeld ist nicht passiver Hintergrund der Installation, sondern Platform eines Dialoges zwischen Innen- und Aussenräumen.
Die Umkehrung von Innen und Aussen verbildlicht so nicht etwa die auferlegten Zwänge der äusserlichen Gegebenheiten des Umfeldes, sondern die aussergewöhnliche Sicht des Künstlers auf den Raum.
Didier Arnaudet
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Vanessa Niloufar Safavi (CH-F)
Dom - Tom
8. - 22. November 2008
(...) Vanessa Safavi konzentriert ihre Arbeit (ebenfalls) auf die symbolische Kraft der Gegenstände und der Bilder sowie auf die Analogien spiritueller Allergorien, die wir in den verschiedenen Kulturen der Erde wiederfinden können. Ihre absichtlich amorphen, mit symbolischen Bildern kombinierten Skulpturen entführen uns in ein Universum im Grenzbereich der Religion, der Mystik und ihrer westlichen Spielvarianten. Ein Kreis, ein Stern oder auch die sich an Tierfiguren anlehnenden Motive könnten ebenso ein tibetisches Mandala darstellen wie auf einem T-Shirt eines jungen skandinavischen Satanisten aufgedruckt sein (...)
Boris Magrini, Kurator, zur Austellung Anathema in der Kunsthalle Fri-Art
© Vanessa Safavi, Lebenslos, 2008
La pratique artistique de Vanessa Safavi, d'un point de vue large, et plus précisément sa culture, s'étend entre l'Extrême Orient et l'Amérique. Influencée par cette diversité éthnique et géographique, elle s'intéresse aux relations entre les peuples et l'art, où des éléments biographiques débouchent sur un commentaire plus large sur l'objet d'art et son statut de fétiche. Influencée par de nombreux voyages et par la multitude de ces rencontres inter-culturelles. Les installations de Vanessa Safavi impliquent l'étude d'objets éthnologiques, la culture populaire et certaines stratégies dadaistes. Sa pratique artistique varie entre différentes disciplines et philosophies en les rapprochant dans sa méthode d'exploration et d'études.
L'artiste développe également dans sa pratique une réflexion sur les élans communautaires post-utopiques, interrogeant les idées de croyance et de rituel, où le mystérieux, l'occulte se voient mis en avant. Les œuvres de Vanessa Safavi se déclinent sur des supports divers - sculptures en bois, photographies, tissus brodés, dessins, céramiques ou terres cuites - et peuvent notamment évoquer la pratique d'artistes post-conceptuels tels que Mike Kelley ou John Miller et puisent dans le répertoire de formes de la science et de la science-fiction pour évoquer la magie de l'univers.
Ses sculptures intentionnellement amorphes, accompagnées d'images symboliques, nous plongent dans un univers aux confins de la religion, de la mystique et de leurs dérives occidentales. Le cercle, l'étoile ou encore les motifs inspirés de figures animales peuvent renvoyer aussi bien à un mandala tibétain qu'à un t-shirt d'un jeune sataniste scandinave. Vanessa Safavi focalise son travail sur le pouvoir symbolique des objets et des images aux considérations anthropologiques, ainsi que sur les analogies des allégories spirituelles que nous pouvons retrouver dans les différentes cultures du monde.
Les préoccupations de l'artiste comprennent également l'interrogation critique (et ludique) de la société contemporaine, la démarche poétique comme force subversive, la re-lecture de figures artistiques de référence, ainsi que l'élaboration de structures narratives aptes à lier l'histoire individuelle à l'histoire collective. Un positionnement que Safavi interroge dans sa pratique et tend à faire partager.
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Ingo Gerken (DE)
Les éléments d'air
3. - 18. Oktober 2008
Installationsansicht: Les éléments d'air © Ingo Gerken, 2008
Mit der Arbeit «Les éléments d'air» packt Ingo Gerken das Leervolumen des unteren Raumes ganz sauber in Regale. Er entwirft eine Art luftdichte Zelle und konstruiert ein Lager, in dem alle Elemente, Mittel und Faktoren der Ausstellung ambivalent durchdachte Spuren hinterlassen.
Im oberen Stock zeigt er nie zuvor gezeigte Videosketches, die im Jahr 2005 entstanden sind.
Er selber sagt zu seiner Installation bei zwanzigquadratmeter:
« ... Ich habe versucht einen autonomen Zustand zu erzeugen, ohne künstlerisch oder intentional großartig einzugreifen. Nichts ist wirklich fest miteinander verbunden, die Situation arretiert sich von selbst. Alle Elemente hängen quasi eigenmächtig voneinander ab und beziehen sich aufeinander. Das eine wäre nicht da ohne das andere. Natürlich wurde zunächst eine genaue Grundsituation hergestellt und ein paar räumliche, skulpturale und farbliche Entscheidungen getroffen, aber der Rest der Produktion passiert dann eben in dieser Konstellation fast von alleine. Die Regale sind also keine Ständer für Spraydosen, sondern sie gliedern vielmehr den leer gelassenen Ausstellungsraum in Linien, Ebenen und Richtungen. Und in Licht- und Schattenbereiche. Die Spraydosen sind ebenfalls eher nur Richtungsgeber für die Farben, als daß sie die hier ausgestellten Objekte wären. Aber sie sind eben beides und funktionieren ja auch als die Stellen des Raumes, wo sich alles komprimiert, wo das ganze aufrecht stehende Blech plötzlich durch einen Druck auf die Düse in Farbe und Luft aufgeht. Im Grunde ist das Ganze eine Metallskulptur, die an ihren Rändern sprüht und spuckt und dabei den sie umgebenden Raum auf verschiedene Arten erst herstellt, ihn markiert und überbrückt. Und am Ende ist diese Skulptur dann nichts weiter als ihr eigenes Display, weil sie die Farbteilchen aus der Raumluft wieder auffängt und auf der gesamten leeren Regalfläche, die sie selbst dafür zur Verfügung stellt, als Ablagerung sichtbar macht...»
Alle Bilder: Les éléments d'air © Ingo Gerken, 2008
Weitere Infos unter :
www.gitteweisegallery.com
www.pianissimo.it
www.phantom-verlag.de
www.google.com
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Guillaume Pilet (CH)
These foolish things
6. - 19. September 2008
Installationsansicht: These foolish things © Guillaume Pillet, 2008
These foolish things, 2008
Salzteig, 16 teilig, variable Maße
Too hot not to cool down, 2008
Linoldruck, 7er Auflage, je 18x24 cm
Two Bananas in a Berlin Bar, 2008
Linoldruck, 30x40 cm (Unikat)
Two Bananas in a Berlin Bar, 2008
Acryl auf Leinwand, Diptychon, je 24x18 cm
Jurybericht des Prix Mobilière Young Art 2008
Guillaume Pilets Kunst sucht nicht das Neue, sie findet das bereits Vorhandene und arrangiert es ohne Hierarchie, aber nicht unreflektiert. Kunst und Kunsthandwerk begegnen sich auf gleicher Ebene, ebenso Hoch- und Populärkultur, Professionalität und Amateurhaftigkeit, primitive Kunst und akademische Präsentationsformen.
Pilet zählt zu jener Generation junger Künstler aus der Romandie, die sich den kunst- und kulturhistorischen Diskurs verinnerlicht haben und sich in ihren Werken kritisch damit auseinandersetzen.
Mit einem breit gefächerten Repertoire an Techniken und Bezügen macht Pilet das kulturelle Erbe zum Thema seiner Kunst. Die Selbstreflexion findet ihren Ausdruck in spielerischen und ungenierten Arrangements. Der Künstler ist kein Missionar, die Kunst nicht wichtiger als der Rest der Welt. Pilets künstlerische Methode ist die reflektierte Lässigkeit: "You call it madness, I call it love".
Rea Reichen
Rapport du jury du Prix Mobilière Young Art 2008
Guillaume Pilet ne recherche pas la nouveauté, il prend les idées et les concepts qui existent et les arrange à sa manière, sans souci de hiérarchisation. Chez lui, art et artisanat, culture savante et culture populaire, professionnalisme et dilettantisme, art primitif et formes de présentation académiques ne sont pas antinomiques, tout se côtoie sur un même plan.
Pilet fait partie de cette jeune génération d'artistes romands qui ont intériorisé le discours historico-culturel sur l'art et qui l'appliquent dans leurs oeuvres avec un esprit critique. Usant d'une grande variété de techniques et de références, Pilet fait de l'héritage culturel le thème même de son art. Sa vision personnelle s'exprime à travers des arrangements ludiques et audacieux.
L'artiste n'est pas un missionnaire, l'art n'est pas plus important qu'autre chose. L'approche artistique de Pilet est caractérisée par une sorte de désinvolture raisonnée: "You call it madness, I call it love".
Rea Reichen
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Tina Schott (DE - BE)
Collagen und Zeichnungen
3. - 19. Juli 2008
© Tina Schott, 2008
Tina Schott zeigt mit ihren Collagen und Zeichnungen fragmentarische Sammelsurien aus buntgemischten Gefundenem und Erfundenem. Gespickt mit humorvollem Unterton balancieren sie zwischen schöner Fiktion und tragischer Scheußlichkeit. Leichthändig entstehen hier absurde Konstellationen, die ihre eigene narrative Struktur bilden.
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